11月1日，第六届粤港澳大湾区文化艺术节艺术教育板块重要内容——艺术讲堂在深圳开讲。主讲堂以“从湾区到国际——东方叙事，全球回响”为主题，集结全国艺术名家与业界大咖，通过主旨演讲与圆桌对话，探讨湾区文艺从本土走向国际的新成果、新路径与新机遇。活动吸引近300名嘉宾观众出席。

扎根一方水土，抵达世界舞台

近年来，大湾区文艺作品出海渐成声势。从粤语音乐剧到潮汕方言电影，从现代舞到肩上芭蕾，一批根植岭南水土的作品正跨越语言与地域，抵达不同国度。然而，本土创作如何跨文化获得共鸣？政策机制又如何构建生态，托举更多作品走向国际？这仍是行业持续求索的命题。日前的主讲堂与圆桌对话上，三位重磅嘉宾与五位一线创作者给出了各自的答案。

年近九旬的著名画家、上海大学美术学院教授陈家泠，以《还看今朝》为题发表演讲。他至今仍保有旺盛的创作热情，自70岁起已举办18场个人展览，正在广东美术馆举行的大展更是其创作历程的重要高潮。演讲中，他以“湖、江、海”三个意象比喻文化发展的次序：湖，代表地区性；江，代表全国性；海，代表国际性。文化先在一方水土扎根、形成地域特色，继而汇聚各地资源、交流融合，最终走向世界。在他看来，岭南文化历来具有先锋气质，敢于创新、勇于开拓；海派文化则海纳百川、善于吸收。两种传统在交流碰撞中相遇，既能彼此滋养，也有望催生新的艺术表达。

著名剧作家、中国文联全国委员、香港艺术发展局文学艺术顾问何冀平，以《心随境转，情自心生》为题，分享了编剧生涯如何在两地文化间寻求融合、坚持个性。写历史剧，她主张“把握历史精神，不是写历史”；面对AI，她直言“AI可以提醒，但不能替代”，舞台不能用人工智能炫技，再大的投入也掩盖不了剧本的硬伤。她表示自己身在香港、身在大湾区，“在地、在场、在线”，愿与同行一起打造有长久生命力的作品。

国际著名舞蹈家、编舞家、画家、导演沈伟，以“从广东出发，回到广东”的个人经历为切入点，回顾30余年在国内外的创作探索。他的艺术始终伴随一个核心命题：如何在国际艺术语境中，建立具有中国文化精神的当代表达？在他看来，大湾区不仅具备成为国际文化艺术中心的条件，也需在艺术创作、人才环境、教育体系与观众培育等方面建立长期稳定的文化生态。他提出，文化传播不能止步于让外国观众辨认某些中国元素，而应进一步呈现中国文化独特的思想方式、审美观念与生命价值观，避免表达停留在表面化、符号化层面。文化艺术的国际影响力，不能依靠短期项目和单向输出，而要依托长期积累形成的创作能力、人才资源、审美体系与社会支持，让“作品出海”走向更深层次的“生态出海”、文化共创。

让地方印记与世界共鸣

圆桌对话环节，五位来自不同艺术领域的大咖创作者从各自的创作经验出发，围绕跨文化表达与文艺出海展开对谈。他们的出圈代表作都带着鲜明的地方印记，而恰恰是这些作品，能够跨越地域与文化背景，获得广泛共鸣。

现象级粤语音乐剧《大状王》内地巡演票房火爆，今年在上海连演20场，开票即售罄。作为作词人，音乐剧编剧、作词岑伟宗感慨，用粤语创作的音乐剧能打动不说粤语的人，十分奇妙。他形容语言是创作者的“玩具”，把语言特点“玩到最极端”，就会让观众忘记文化差异、全情投入。

舞台剧《繁花》三部曲导演马俊丰是山西人，从深圳大学毕业后就读上海戏剧学院，最终成为“最懂上海的导演”之一。此次他携舞台剧《繁花》三部曲参加艺术节，新设置港商角色，让粤语与沪语同台碰撞。他比喻创新带来的剧场体验：“就像吃到一样美食，你知道你是喜欢的，但你说不出来为什么，这就是创作的魅力。总有这样的人，引领大家往前走。”

从艺数十年来，广州市杂技艺术剧院艺术总监、肩上芭蕾创始人、《天鹅》故事原型吴正丹在全球30多个国家演出3000余场，让“肩上芭蕾”绽放国际舞台，以她为原型的杂技剧《天鹅》在海外巡演收获热烈反响。在她看来，立足杂技本体技艺、讲好故事，是打动海外观众的关键。东西方观众能够找到价值观的共鸣点，剧目无需额外文字介绍，观众就能读懂故事里中国人的励志精神与创造力量。

中国青年舞蹈艺术家、深圳当代舞团创始人兼艺术总监胡沈员长期致力于现代舞在中国的探索发展，作品《流浪》今年在圣彼得堡完成海外首演。他介绍，《流浪》脱胎于自己辗转不同城市生活、从舞者转型编导的体验，国内观众能从传统肢体看到富有当代性的表达，海外观众则能在当代表达中看见中国文化元素。

潮汕方言电影《给阿嬷的情书》是今年国产电影的话题之作，全球总票房已突破21亿元，陆续登陆新加坡、马来西亚、澳大利亚等多个海外院线。导演、编剧、《给阿嬷的情书》主演郑润奇介绍，影片灵感扎根于扎实的田野调研，团队采访近300位华侨，收集大量潮汕先辈下南洋的真实史料与口述故事。正是在海量素材的基础上，“阿嬷”故事的雏形才浮现并打动团队。在他看来，当作品的故事舞台足够大，方言就不会是创作的限制。